Weimar bio

Det politiska tumultet från 1920-talets Tyskland bidrog till att skapa en ny genre av filmskapare: expressionisterna i Weimar-filmen. Europas nystartade filmindustri ödelades av första världskriget, vilket gjorde att USA kunde dominera filmproduktionen efter kriget. Men efterkrigstidens amerikanska filmer handlade mer om volym och vinst än om konst eller stil. Hollywood producerade omkring 800 filmer per år under 1920-talet, mestadels lättviktsfilmer som slapstick-komedier, romantiska dramer eller häftiga äventyrsfilmer. De var enormt populära bland filmpublik, men de gjorde lite för att testa mediets gränser.

Filmskapare i Tyskland tog en annan väg, till stor del av nödvändighet. Weimar Tysklands politiska och sociala instabilitet, för att inte tala om dess ekonomiska brist, hade en djupgående inverkan på den tyska kulturen efter kriget. En ny kulturell rörelse växte fram, som senare beskrevs som tysk expressionism. Allra tydligast var det på biografen, som återhämtade sig snabbt på 1920-talet, då vanliga tyskar sökte eskapism och billig underhållning. Tyska filmskapare, utan att ha råd med de enorma uppsättningarna, påkostade kostymerna och omfattande rekvisita från Hollywood-filmer, letade efter nya sätt att förmedla atmosfär, stämning och känslor. De utforskade också mycket mörkare teman än Hollywood: brottslighet, omoral, socialt förfall och pengars och teknikens destruktiva krafter. Den tyska expressionismen födde två nya filmiska genrer: den gotiska skräckfilmen och film noir (kriminella thrillers som utforskar de mörkare aspekterna av mänskligt beteende).

Några av de mest kända tyska expressionistfilmerna var:

Läkaren Caligari (1920). En av de tidigaste skräckfilmerna i historien, Doktor Caligari berättar om en uppträdande mystiker och hans scensidekick, en sömngångare som kan förutsäga framtiden. Filmen använde sig i stor utsträckning av ljus, skugga och expressionistiska konstnärliga stilar i sina uppsättningar och bakgrunder. Den innehöll också ett "twist"-slut, kanske det första i filmhistorien, där hela historien visade sig vara den vanförebildande tillbakablicken från en mentalpatient.

Nosferatu (1922). Undertext Eine Symphonie des Grauens ('En symfoni av terror'), Nosferatu var den första filmen av en genre som idag är ganska vanlig: vampyrfilmen. Nosferatu är skenbart en återberättelse av Bram Stokers Dracula, även om karaktärernas namn ändrades (regissören FW Murnau ägde inte rättigheterna). Inspelad på en begränsad budget med endast en kamera, Nosferatu använder ljus, skugga, tid, rörelse och spänning för att skildra skräck, snarare än komplexa uppsättningar eller specialeffekter. Huvudpersonen, vampyren Orlok, visas som en frånstötande råttliknande varelse, snarare än de vältalade aristokratiska vampyrerna i framtida filmer.

Fantom (1922). Ännu en FW Murnau-film, Phantom var inte lika framgångsrik eller så välkänd som Nosferatu. I Phantom, huvudkaraktären Lorenz liv förändras oåterkalleligt av glimten av en kvinna och det destruktiva lockbetet med pengar. Lorenz börjar leta efter kvinnan, en kurs som leder till stora utgifter, skulder, brott och mord. Berättat i flashback, Phantom använder expressionistiska tekniker (som dubbelexponering) för att förmedla Lorenz förvirring och kollapsande känslor. I den mest minnesvärda scenen verkar byggnader luta in på Lorenz, kväva honom och hota att störta.

The Last Laugh (1924). En annan Murnau-film, huvudpersonen i The Last Laugh är en dörrvakt på Atlantic Hotel, som efter år av tjänst degraderas till den snåla rollen som badrumsskötare. Generad över förlusten av en prestigefylld position döljer han nyheterna för familj och vänner. Men de får reda på det och utsätter honom för förlöjligande. Murnau använde sig kreativt av kameravinklar och rörelser i Det sista skrattet. Tidiga bilder filmas från låga perspektiv, vilket gör att både hotellet och dess dörrvakt verkar stora och viktiga. Senare är kameran monterad på en gunga och verkar sväva genom luften. Historien berättas också helt utan titelkort, första gången detta gjordes i en stumfilm.

Metropolis (1927). Förmodligen den mest kända tyska expressionistiska filmen, Metropol är delvis science fiction och delvis social allegori. Den skildrar ett framtida samhälle där medborgarna har delats upp i två distinkta klasser: eliten, som njuter av fritidslivet i solen, och arbetarna, som sliter monotont under marken. Handlingen handlar om två kvinnor: den medkännande Maria, som vill försona arbetarna med den härskande klassen; och roboten Hel, som är programmerad att förstöra staden. Metropol var ett otroligt ambitiöst projekt för sin tid. Det kostade cirka fem miljoner mark, tog flera månader att filma och anställde upp till 300 extra. Det visade sig vara opopulärt med filmgäster men blev kritiskt applåderat och anses vara en föregångare till modern science-fiction-filmer.

M (1931). Även regisserad av Fritz Lang, M hade en extraordinär story för sin tid. Hans Beckert (spelad av Peter Lorre) är en pedofil och barnmördare, förföljd av både polis och Berlins undre värld. Han fångas först av stadens skurkar och får en skenrättegång. Beckert konfronterar sina fångare och förklarar vad som driver honom att begå sina brott och frågar: "Vem vet hur det är att vara jag?" M använde sig inte bara av expressionistiska stilar, den introducerade också filmtekniker som fortfarande används i kriminalfilmer idag.

Tysk expressionistisk film skulle påverka filmskapandet runt om i världen – inklusive i USA. 1923 producerade Hollywoods Universal Studios sin första hyllade skräckfilm, Ringaren i Notre Dame, med Lon Chaney som Quasimodo. Regissören, Wallace Worsley, hade tidigare tagit fram dussintals dramer och lättviktskomedier – men han kom att beundra och låna mycket från tyska regissörer, särskilt Murnau. Framtida Hollywood-filmer använde också expressionistiska teman och tekniker, inklusive Phantom of the Opera (1925) Monster (1925) och vampyrfilmerna London efter midnatt (1927) och Dracula (1931). Några tyska regissörer korsade Atlanten och satte sin prägel i Hollywood. Paul Leni reste till USA 1927 på inbjudan av Universal Studios, för vilka han gjorde flera filmer. Den bästa av dessa, Katten och kanariefågeln (1927) kombinerade den tyska expressionismens höga kontrast och stil med amerikanska filmkonventioner. Fritz Lang, chef för Metropol, flydde Tyskland i 1934 (Lang var en del-judisk och några av hans filmer var inte populära bland nazihierarkin). Han landade så småningom i Hollywood, där han blev amerikansk medborgare och regisserade ytterligare 21-filmer.

1. De sociala störningarna och den ekonomiska bristen i Weimar gav upphov till expressionism i tysk filmskapande.
2. Regissörerna hade inte råd med stora roller eller uppsättningar och letade efter olika tekniker för att återge stil, karaktär och känslor.
3. Expressionistiska filmskapare var oroliga över mörkare berättelser och teman, inklusive skräck och brott.
4. Expressionistiska regissörer manipulerade också tekniska komponenter, som ljus, kontrast, kameravinklar och rörelse.
5. Dessa regissörer och deras innovationer kom att påverka de rikare och mer produktiva filmstudiorna i Hollywood.


© Alpha History 2014. Innehållet på denna sida får inte publiceras eller distribueras utan tillstånd. För mer information, se vår Användarvillkor.
Denna sida har skrivits av Jennifer Llewellyn, Jim Southey och Steve Thompson. För att hänvisa till denna sida använder du följande citat:
J. Llewellyn et al, "Weimar cinema", Alpha History, 2014, öppnade [dagens datum], http://alphahistory.com/weimarrepublic/weimar-cinema/.